Archivos de la categoría ‘GRANDES PINTORES’

Josefa del Águila Ceballos, luego marquesa de Espeja. Federico de Madrazo y Kuntz. Óleo sobre lienzo, 220 x 130 cm 1852. Museo Nacional del Prado. Donación de Alicia Koplowitz, 2018.

Recientemente, la empresaria y coleccionista Alicia Koplowitz donó al Museo del Prado este retrato femenino, obra de Federico de Madrazo (Roma, 1815-Madrid, 1894). El cuadro “Josefa del Águila Ceballos, luego marquesa de Espeja”, fechado en 1852es una de las obras más relevantes del período de madurez del artista.

La retratada, doña Josefa del Águila y Ceballos Alvarado y Álvarez de Faria (San Sebastián, 1826- Madrid, 1888), casada en 1850 con José María Narváez, II vizconde de Aliatar y años después II duque de Valencia, tenía 26 años cuando, según la fecha del lienzo, se realizó el retrato, que se completó dos años después por el artista.

La pintura, en buen estado, conserva su marco isabelino original, está actualmente en restauración para exponerse a partir del próximo 7 de mayo.

Uno de los máximos exponentes de la pintura romántica española

Federico de Madrazo, fue pintor de cámara de la reina Isabel II, profesor y director de la Academia de San Fernando. Le nombraron director del Museo del Prado, cargo que perdió con la Gloriosa, la revolución liberal de 1868 y que recuperó a partir de 1881. 

En sus inicios cultivó la pintura histórica y religiosa, si bien debe su renombre a su actividad como retratista. Fue el pintor español más solicitado y de más proyección nacional e internacional del segundo tercio del siglo XIX.

+ Info. ABC Cultura

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“La compañia de Mademoiselle Eglantine” 1893 Henri Tolouse–Lautrec

Hasta el 6 de mayo se podrá visitar en la Fundación Canal de Madrid (c/ Mateo Inurria, 2) la exposición “Toulouse-Lautrec y los placeres de la Belle Époque”

TOULOUSE-LAUTREC, MAESTRO DEL CARTEL

Henri de Toulouse-Lautrec elevó el cartel a la categoría de obra de arte

“El gato negro” 1896 Thèophile Alexandre Steinlein

La exposición realizada en colaboración con el Musée d’Ixelles (Bruselas) reúne por primera vez a España, una de las dos únicas colecciones completas que existen en el mundo de los carteles creados por Toulouse-Lautrec (1864-1901).

La muestra, que llega por primera vez a Madrid, se compone de  65 obras -33 carteles realizados por Toulouse-Lautrec, más otros tantos de importantes artistas coetáneos como Alfons Mucha, Jules Chéret o Theophile-Alexandre Steinlen, entre otros.

A través de estas obras “se abordan algunos de los importantes cambios que la modernidad trajo en los últimos años del siglo XIX y principios del XX. Cambios que afectaron tanto al arte, la literatura y los espectáculos, como a los usos sociales”.

Henri de Toulouse-Lautrec, fue un pintor postimpresionista y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense, retratando como nadie la efervescente vida del París de finales del siglo XIX.

Excelente dibujante, su arte es por esencia dibujo coloreado, lleno de expresión y movimiento, produciendo un arte lleno de encanto y sensibilidad. Con su pincel ennobleció los bajos fondos, los cabarets parisinos, popularizó a las más famosas bailarinas de la época… A él corresponde el mérito de haber convertido el cartel en un arte, su contribución a su desarrollo ha sido decisiva.

Exposición: entrada gratuita. Horario: laborables y festivos de 11,00 a 20,00 h. Miércoles cerrado a partir de las 15,00 h.+ Inform. Fundación Canal. Visitas-Taller para colegios.

Su obra...

Es la institución artística de más larga trayectoria y mayor vigencia cultural en España

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se inauguró oficialmente en 1752 durante el reinado de Fernando VI. Desde 1773 tiene su sede en el palacio de Goyeneche (c/de Alcalá,13) en Madrid, diseñado por José de Churriguera y adaptado al gusto neoclásico por Diego de Villanueva.

Desde su fundación ha desempeñado un importante papel en la protección y desarrollo de las Artes y en la formación de artistas. Aloja en su edificio el Museo, el Archivo-Biblioteca, el Taller de Vaciados y la Calcografía Nacional. Visita virtual.

Retrato de Manuel Godoy 1801 Goya. Óleo sobre tabla 180 cm × 267 cm

El Museo, una de las mejores pinacotecas de España, conserva un excepcional patrimonio

“Primavera”, 1563 Giuseppe Arcimboldo. Óleo sobre tabla 66 x 50 cm

La Academia tiene un importante MUSEO, que conserva un excepcional patrimonio artístico que abarca cinco siglos y diferentes escuelas, ofreciendo un completo recorrido por la historia del arte desde el Renacimiento hasta las tendencias más actuales del siglo XXI.

El Museo cuenta, en la actualidad, con más de 1.400 pinturas, 1.300 esculturas y 15.000 dibujos, además de una excelente colección de artes decorativas formada por tapices, platería, cerámica, porcelana, relojes, muebles y medallas. En sus cincuenta y nueve salas, distribuidas en tres plantas,  expone una amplia representación de dicha colección.

“Una de las colecciones más valiosas y de mayor categoría estética del arte español moderno y contemporáneo”Antonio Bonet Correa

“La Piedad”. Luis de Morales. Óleo sobre tabla, 126 x 98 cm

Su colección permanente incluye obras maestras del arte español, italiano y flamenco. Goya, Zurbarán, Ribera, Arcimboldo, Tintoretto, Rubens, MengsVicente López, José de Madrazo, Federico de Madrazo, Sorolla, Cecilio PláVázquez DíazBenjamín Palencia, entre otros, nos permiten realizar un viaje por el arte hasta llegar a las vanguardias actuales.

En las salas del Museo también se puede contemplar obras de Juan de Zurbarán, Francisco BayeuJuan Gris, Solana, Rusiñol… adquiridas a través del Legado Guitarte.

También merece una especial atención su colección de vaciados y un conjunto de esculturas, que permite ver la evolución escultórica española desde el siglo XVII hasta nuestros días, destacando Pedro de MenaRoberto Michel, Mariano BenlliurePicassoPablo Gargallo, etc.

El Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando está considerado como una de las mejores pinacotecas de España. Recorrer y admirar sus salas, disfrutar de su bella colección es una maravilla.

+ Inform.  Museo Guía del Museo pdf- Horarios

“Le Peintre et sa famille” c. 1939. André Derain. Óleo sobre lienzo, 176,5 × 123,8 cm. Tate, Londres.

La sala de la Fundación MAPFRE Recoletos en Madrid (Paseo de Recoletos 23) presenta la exposición “Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas”, organizada por la Fundación MAPFRE con el apoyo del Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musées.

“Les Enfants Hubert et Thérèse Blanchard” 1937. Balthus. Óleo sobre lienzo, 125 × 130 cm. Musée National Picasso, París.

“Autoportrait”,1920. Alberto Giacometti. Óleo sobre lienzo, 41 × 30 cm Fondation Beyeler, Riehen/Basilea

Una visión común del pasado del arte

Las obras reunidas para esta exposición provienen de grandes colecciones particulares e instituciones internacionales de todo el mundo. Son cerca de 240 obras entre pinturas, obras gráficas y esculturas, principalmente de los años veinte a los sesenta, que permiten descubrir la profunda relación de amistad que existió entre tres grandes artistas del siglo XX.

“Los tres comparten un fuerte anhelo de modernidad, se interesan apasionadamente por la pintura antigua y el arte de las civilizaciones lejanas, sienten fascinación por «las fuerzas oscuras de la materia» (Derain) y, en general, prestan mucha atención a la realidad «maravillosa, desconocida» que tienen ante sí (Giacometti)”.

La exposición, que podrá visitarse hasta el 6 de mayo, es una extraordinaria oportunidad para disfrutar de la obra de estos tres grandes artistas.

+Inform. Fundación Mapfrevisita virtual

  • André Derain (1880-1954). Este pintor francés fue uno de los principales protagonistas de la corriente fauve y una de las figuras más destacadas del movimiento moderno.

  • Balthus (Balthasar Klossowski) (1908-2001). Pintor francés de origen polaco. Pintor figurativo, se mantuvo siempre al margen de los movimientos de su tiempo, aunque su obra se relaciona con el surrealismo…

Alberto Giacometti (1901-1966). Pintor y escultor suizo. Uno de los artistas más originales del siglo XX por sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera…

Retrato de Mariano Fortuny en 1875

El Museo Nacional del Prado presenta hasta el 18 de marzo la exposición “Fortuny (1838-1874)”. Está patrocinada por la Fundación AXA y la colaboración especial del Museo Fortuny de Venecia y el Museu Nacional d´Art de Catalunya.

El más completo de los pintores del siglo XIX

Se trata de la exposición más completa y ambiciosa dedicada a Mariano Fortuny y Marsal (1838-74). Es la primera vez que el Prado aborda una exposición antológica de este destacado artista. Recoge a través de un recorrido cronológico aportaciones de Fortuny como pintor, acuarelista, dibujante, grabador y coleccionista (se exhiben ejemplos de la extraordinaria colección de antigüedades que atesoraba en su atelier).

Las salas A y B del edificio Jerónimos reúnen 169 obras maestras, 30 pertenecen a la pinacoteca, el resto procede de prestigiosas colecciones públicas y privadas de todo el mundo. 67 de ellas no habían salido de sus colecciones y museos de referencia y una docena son inéditas.

La Batalla de Wad-Rass. 1860 – 1861. Óleo sobre papel pegado en cartón, 54 x 185 cm.

‘El aficionado a las estampas’ h. 1865 Óleo sobre lienzo. Museum of Fine Arts, Boston

Viejo desnudo al sol. Hacia 1871. Óleo sobre lienzo, 76 x 60 cm. Museo del Prado. Madrid

Mariano Fortuny y Marsal es uno de los grandes maestros de la pintura española del siglo XIX, figura muy admirada desde hace tiempo por su calidad indiscutible.

+ Inform. Museo de Prado ABC

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“La Virgen con el Niño” de Anton Van Dyck 1621-1622 Óleo sobre lienzo 98 x 84 cm. Museo Cerralbo

Esta obra de la colección del Museo Cerralbo, considerada hasta ahora una copia de Van Dyck (Amberes 1599-Londres 1641) realizada por el pintor Mateo Cerezo, ha resultado ser tras la restauración y estudio, una obra original salida del pincel del maestro flamenco.

Una reciente investigación llevada a cabo por Philippe Barnabé, experto anticuario francés, ha demostrado la auténtica autoría de esta obra: se trata de una primera versión, pintada en Génova, de un total de seis cuadros realizados por Van Dyck, con la misma composición, entre 1621 y 1632 en Italia y Amberes.

La obra fue adquirida por la familia Cerralbo en 1884. Antes había formado parte de colección del pintor José de Madrazo quien a su vez lo compró, en la década de 1820, a la viuda del coleccionista Bernardo de Iriarte (1735-1814). Desde entonces el cuadro se consideró como una copia de Van Dyck, realizada por el pintor burgalés de escuela madrileña Mateo Cerezo (1637-1666).

Gracias a la restauración realizada por Elena Moro se ha podido conocer que la obra había sido recortada, y que las dimensiones de la pieza original podrían responder al formato italiano clásico tela d’imperatore. Asimismo, los resultados de la investigación indican que la tela empleada fue la misma que los demás lienzos que utilizó Van Dyck durante su estancia en Italia.

Esta obra inédita se expone al público en el Museo Cerralbo desde el 19 de diciembre y podrá verse hasta el 25 de febreroLa visita se encuentra dentro del circuito general del museo.

El Museo Cerralbo (c/Ventura Rodríguez, 17) es uno de los museos más importantes de Madrid, aunque también de los más desconocidos. Está situado en lo que fue la casa-palacio del XVII Marqués de Cerralbo y su visita traslada al visitante a la forma de vida de una familia aristocrática de finales del siglo XIX.

Fuentes: mecd.gob.es área de prensa (obra- horarios)

Van Dyck es una de las personalidades más relevantes de la escuela pictórica flamenca. Es estimado, sobre todo, como pintor de retrato: sus retratos de aspecto distinguido y elegante, presentan un exquisito refinamiento. Su influencia en la formación de los retratistas ingleses será decisiva.

el gran maestro del arte metafísico

Quedan unos días. Hasta el próximo 18 de febrero se puede visitar en CaixaForum Madrid la gran exposición dedicada a Giorgio de Chirico (Volos, 1888 – Roma, 1978), organizada con la colaboración de la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico.

La  gran retrospectiva Sueño o realidad. El mundo de Giorgio de Chirico recorre las principales fases creativas de De Chirico y retrata la continua investigación de la idea artística, marcada por una constante búsqueda en el plano iconográfico y simbólico capaz de crear una continuidad de la tradición artística italiana en el arte.

Su enigmático mundo -maniquíes humanizados, plazas silenciosas, personajes mitológicos y naturalezas muertas envueltas en paisajes que generan una atmósfera de suspense- se podrá ver y disfrutar a través de 142 obras entre óleos, dibujos, litografías y esculturas que muestran la trayectoria artística, desde 1913 a 1976, de este gran maestro.

“Para llegar a ser verdaderamente inmortal, una obra de arte debe exceder todos los límites humanos. La lógica y el sentido común lo único que hacen es interferir. Pero una vez que esas barreras se rompen, entrará en el reino de las visiones y sueños de la infancia” De Chirico

El Contemplador, 1976. Óleo sobre lienzo. Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, Roma

La “pintura metafísica” está ligada íntimamente a este artista. Ajeno a las vanguardias creó un lenguaje propio de visiones oníricas como fuera del tiempo, pero recurriendo a la formulación tradicional del espacio. La pintura metafísica supone una reacción contra el futurismo y lo cambiante y sienta las bases del surrealismo. De Chirico ocupa una posición destacada en el arte internacional, sobre todo en su influencia en el movimiento surrealista y en otros grandes artistas y escritores de la primera mitad del siglo XX.

+ Inform. De Chirico CaixaForum Madrid

The Metaphysical Art of Giorgio de Chirico (vídeo obra pictórica)

Maurice Barrés con Toledo al fondo, 1913. Museo d’Orsay, París. Retrato y cuadro de gran composición, considerada como una de las más representativas y logradas del estilo de madurez de Zuloaga.

“Lo que yo busco no es la belleza, sino el carácter” Zuloaga

Hasta el próximo 7 de enero de 2018 se puede visitar, en la Sala Fundación MAPFRE Recoletos de Madrid, la exposición “Ignacio Zuloaga en el París de la Belle Époque. 1889-1914”.

La muestra cuenta con más de 90 obras procedentes de importantes colecciones e instituciones particulares nacionales e internacionales, además de la propia familia Zuloaga.

El recorrido expositivo pretende ofrecer una imagen de la obra del pintor de Éibar poco habitual en España, incidiendo en que su producción artística combina un profundo sentido de la tradición con una visión moderna y ligada al simbolismo en sus años parisinos.

La experiencia parisina del pintor Ignacio Zuloaga es fundamental para entender su obra

“En 1889, con tan solo 19 años, Ignacio Zuloaga llega a París, por entonces capital mundial del arte moderno. El pintor encuentra una ciudad en plena ebullición cultural, en la que se dan cita las más innovadoras tendencias y en la que pintores, escultores, y escritores experimentan con nuevos lenguajes artísticos que conducirían hacia la modernidad.

El pintor participa activamente de este París de fin de siglo. Al poco de llegar, entra en contacto con Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas o Jacques-Émile Blanche y presenta sus obras en los principales salones y galerías parisinos. Asimismo, su obra refleja la influencia de algunos de los movimientos artísticos en boga, como el simbolismo”.

+ Inform. Fundación MapfreVisita virtual

Zuloaga (Éibar, 1870-Madrid, 1945) fue uno de los pintores españoles más relevantes de finales del siglo XIX y principios de XX, marcando un momento especialmente importante para la historia del arte de nuestro país. Tradicionalmente unido al tópico de la España negra y catastrófica frente a la llamada España blanca, la España de la luz encarnado por Sorolla. Destacó por sus escenas costumbristas y retratos, dentro de un estilo naturalista de recio dibujo y colorido oscuro, influido por Ribera y Goya.

Si quieres conocer un poco más la obra de este artista…

Imagen: El Confidencial/Cultura

«Salvator Mundi», de Leonardo da Vinci (1452-1519), se ha convertido desde el 15 de noviembre de 2017 en la obra de arte más cara vendida en una subasta.

Está considerada como el redescubrimiento artístico más grande del siglo XXI

Fue subastada en Nueva York por un precio récord de 450,3 millones de dólares -aún se desconoce la identidad del comprador-. La casa de subastas Christie’s había estimado que la obra sería vendida por 100 millones de dólares. La puja, que comenzó con un precio inicial de 70 millones de dólares, se prolongó 19 minutos.

Sabías que…

  • Fue realizada para el rey Luis XII de Francia entre 1506 y 1513.
  • La pintura muestra a Cristo como rey y salvador del mundo.
  • Óleo sobre nogal (45,7 x 65,7 cm). El rostro y la cabeza sufrieron muchos repintes. Presenta partes mediocres producto quizá de la mala conservación y las restauraciones.
  • Salvator Mundi se pintó en el mismo marco temporal que la Mona Lisa.
  • Llegó a formar parte de la colección de Carlos I de Inglaterra (1600-1649).
  • Que se sepa, hay menos de 20 tablas creadas por el genio renacentista italiano que han sobrevivido al paso del tiempo.
  • La obra se consideró perdida durante mucho tiempo.
  • Sobrevivió a los bombardeos nazis abandonado en un sótano. En 1958 se había perdido su historia y sus orígenes, por lo que fue vendida por tan sólo 90 dólares a un coleccionista estadounidense de Luisiana.
  • En el 2005, bajo capas de pintura, se descubrió que era un Leonardo.
  • Según la casa Christie’s, Salvator Mundi es la única obra del artista italiano que permanece en manos privadas.
  • Pertenecía al oligarca ruso Dmitri Rybolóvlev, que en 2013 se la había comprado por 127,5 millones de dólares a Yves Bouvier, marchante de arte.
  • Su precio superó ampliamente la obra de Picasso “Mujeres de Argel”, vendida por 179,4 millones de dólares en mayo de 2015.
  • Las 10 obras de arte más caras de la historia vendidas en subastas- La Rioja-cultura

Leonardo da Vinci: auténtico prototipo de hombre universal, humanista y científico

Fue el primer gran pintor del Cinquecento, aunque la cronología lo sitúe todavía en buena parte de los años finales del siglo anterior. Infatigable buscador por todas las ramas de la Ciencia (teórico, ingeniero, arquitecto, inventor, escultor y pintor), desde su juventud se interesó por el estudio del cuerpo humano en las más diversas actitudes a fin de lograr la más perfecta composición y enlace de las figuras entre sí.

Venecia, foco artístico esencial para la comprensión de la historia de la pintura.

Palma EL VIEJO (Jacopo Negretti) Retrato de una mujer joven llamada “La Bella”, c. 1518-20 Óleo sobre lienzo. 95 x 80 cm © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Del 20 de junio al 24 de septiembre de 2017, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta bajo el título El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura, una exposición dedicada al arte veneciano del siglo XVI, su primer gran periodo de esplendor, con casi un centenar de obras de artistas como Tiziano, Tintoretto, Veronés, Jacopo Bassano, Giorgione o Lotto, procedentes de importantes colecciones y museos.

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Lorenzo Lotto, Retrato de un joven en su estudio Hacia 1528-1530 Óleo sobre lienzo. 98 x 111 cm Gallerie dell’Accademia, Venecia

 “Es uno de los grandes períodos de la historia de la pintura de todos los tiempos” Fernando Checa, exdirector del Prado y comisario de la muestra.

La muestra, patrocinada por la Fundación Abertis, está formada por 88 obras, presentando un extraordinario conjunto de pinturas y algunas esculturas, grabados y libros, procedentes de colecciones privadas y museos como la Galleria de´Accademia de Venecia, el Museo Nacional del Prado de Madrid, la Fondazione Accademia Carrara de Bérgamo, el Palazzo Pitti de Florencia, el Kunsthistorisches Museum de Viena, la Galeria degli Uffizi de Florencia, la Biblioteca Nacional de España, el Musée du Louvre de París o la National Gallery de Londres. Leer más

+ Inform. Museo Thyssen: publicación interactiva, visita virtual

La Duquesa de Alba. Goya. Óleo sobre lienzo 210,3 cm x 149,3 cm 1796-1797. Nueva York, The Hispanic Society of America

El Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, presenta hasta el 10 de septiembre de 2017, la exposición “Tesoros de la Hispanic Society of America.Visiones del mundo hispánico”.

Una muestra que ofrece al visitante unas 220 obras pertenecientes a Hispanic Society Museum & Library, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.

Las salas A, B y C del edificio Jerónimos alberga una amplia y cuidada selección de piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX  que se muestran en un recorrido cronológico y temático. Muchas de las obras que se presentan no se habían hecho públicas hasta ahora o permanecían inéditas.

Se pueden contemplar obras maestras de pintura como Retrato de una niña, Camillo Astalli y Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, La Piedad del Greco, El hijo pródigo de Murillo, Santa Emerenciana de Zurbarán o la emblemática Duquesa de Alba de Goya. En escultura, la Efigie de Mencía Enríquez de Toledo del Taller de Gil de Siloé, la terracota de Luisa Roldán, el Matrimonio místico de Santa Catalina, o San Martín, una talla policromada de mediados del siglo XV, entre otras.

Esta exposición rinde tributo a Huntington y a la labor realizada por la Hispanic Society Museo y Biblioteca en la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos de América.

La Hispanic Society posee la más importante colección de arte hispano fuera de nuestro país, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables. Ninguna otra institución en el mundo, incluyendo España, permite por sí sola un recorrido tan completo por nuestra historia, arte y cultura.

Es una institución centenaria, ubicada en la parte alta de Manhattan, en Nueva York, que abrió sus puertas en 1904 por el empeño personal de Archer Milton Huntington (1870-1955). Este coleccionista e hispanista americano quiso crear una institución que, a través de una biblioteca y unas colecciones de arte elegidas de manera erudita y sistemática, fomentara la apreciación rigurosa de la cultura española y profundizara en el estudio de la literatura y el arte de España, Portugal y América Latina.

Tesoros del museo español en Manhattan: interactivo dirigido al público familiar que cuenta la historia de un amante de los libros y las artes llamado Archer Milton Huntington.

+ Inform. Museo del Prado

Hasta el 28 de mayo se puede disfrutar en Madrid, en el Museo Thyssen-Bornemisza, de la exposición “Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias”.

Lucas Cranach, el Viejo. Salomé con la cabeza de san Juan Bautista. Hacia 1526-1530. Óleo sobre tabla. 88,4 x 58,3 cm. Budapest, Museo de Bellas Artes

La exposición, compuesta por un total de noventa obras de las escuelas italiana, alemana, flamenca y española, muestra por primera vez en España una destacada selección de pinturas, dibujos y esculturas procedentes de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría.

Presenta un itinerario cronológico, que abarca desde el siglo XV al XX, con maravillosas obras maestras de artistas como Durero, Rafael, Leonardo da VinciHans Memling, Annibale Carracci, Nicolas Poussin, Tiepolo, Velázquez, Zurbarán, Murillo, Goya, Rubens, Cézanne, Manet y otros artistas húngaros como Károly Ferenczy y Sándor Bortnyik.

Esta es la primera de las grandes exposiciones con las que el Museo Thyssen-Bornemisza conmemora, en este año 2017, el 25 aniversario de la apertura al público.

+ Inform. Museo Thyssen-Bornemisza (visita virtualpublicación interactiva) – artículo Hoy es Arte